“Magia de la sonrisa en el Golfo de México” y “James Reeve. Retratos y Quimeras”

*Dos exposiciones temporales llegan al Centro Cultual Santo Domingo

 

 

Jenny SÁNCHEZ

 

 

Dos exposiciones temporales, Retratos y Quimeras y La Magia de la sonrisa en el Golfo de México se inauguran mañana domingo en la Sala de Profundis del Centro Cultural Santo Domingo.

James Reeve. Retratos y Quimeras es una colección prestada de Fomento Cultural del Norte Potosino A. C., con sede en La Paz, San Luis Potosí y en ella, James Reeve goza de un reconocimiento y una trayectoria notables, que la posibilitan a convertirse en un punto de interés común entre pueblos distantes, sea en Inglaterra, en San Luis Potosí o en Oaxaca, por mencionar solo a los que hoy ha unido en esta exposición.

El azar está regido por leyes precisas y complejas. Y, en el caso de Reeve, este azar es el resultado de conocimientos extraordinariamente amplios y detallados, lo cual resalta en todas sus obras, con la misma amplitud y la misma exigencia en los detalles. Su ciencia pictórica es asombrosa. Sus composiciones son de una claridad ejemplar, a pesar de la acumulación frecuente de los motivos. Lo cual no deja de recordar la organización casi clasificatoria, por ejemplo, de los cargados códices mexicanos, en donde el espacio plástico, aunque totalmente cubierto de representaciones de cosas, de gentes, de animales y de dioses, siempre sigue siendo mentalmente límpido. Por otra parte, el uso que hace Reeve de los colores es, a la vez, plástico y simbólico.

En esto reconocemos cierto parentesco con otro tipo de manuscritos contemporáneos de los códices, que son los que pintaban los monjes cristianos de la Edad Media europea. Aquellos, también a su manera, acompañaban los textos religiosos con “enluminaciones” en donde lo natural y lo sobrenatural existían en una visón unificada del mundo, con sus detalles profanos o místicos, sus luces deslumbrantes y sus oscuros misterios : azules celestes, oros eternos, rojos de la fe indestructible, verde de las joyas vegetales del paraíso terrestre, etc., todo aquello sigue vivo y actual en el arte de Reeve, como tantas otras realizaciones de las artes universales integradas a su visión del mundo.

Como se verá en esta exposición, James Reeve es un artista con una sensibilidad muy desarrollada en varios sentidos, como el de la observación de sus modelos y el de la minuciosidad de la técnica. Debido al primer aspecto es que podemos decir que logra captar la identidad o la atmósfera emocional del paisaje o de los personajes que retrata; y a su minuciosidad técnica debemos ese gusto que expresa la finura de los detalles y el misterio de su pintura.

James Reeve realizó estudios de literatura española en la Universidad de Oxford, luego se inscribió en la Real Academia de Bellas Artes en Madrid, de donde salió para ingresar al Monasterio del Parral en Segovia. Allí vivió como monje jerónimo, enclaustrado con voto de silencio durante dos años. Salió porque no lo dejaban pintar y empezó a viajar por el mundo.

Llegó en 1985 a radicar durante 15 años en Xilitla, San Luis Potosí. Después vivió durante cinco años en una vecindad en la calle de Leandro Valle, a un costado de la Plaza de Santo Domingo en el Centro Histórico de la Ciudad de México.

En la exposición la Magia de la Sonrisa en el Golfo de México, muestra la manera en que en la región del Centro de Veracruz durante la época prehispánica, utilizó la más universal de la expresiones: La Risa, un sistema de señas involuntarias que a su vez expresa emociones comunes y familiares a todo ser humano. Rasgo permanente que se encuentra presente tanto en aquellas sociedades que tienen un sistema de escritura o que carecen de él, en grupos culturales tanto de tradición occidental como de aquellos con otra tradición cultural.

Esta muestra original consta de más de cien magníficos objetos de arcilla de las colecciones del Museo de Antropología de Xalapa-Universidad Veracruzana, Museo Nacional de Antropología y Museo Fortaleza San Juan de Ulúa; éstas representaciones elaboradas en barro, fueron localizadas en la parte central del Estado de Veracruz, y cuya cronología va desde el preclásico terminal hasta el epiclásico (ca. 100 a C a 900 d C).

Si bien ha sido común la denominación de caritas sonrientes, en realidad se trata de figuras antropomorfas completas; es destacable que sean las cabezas las que se han encontrado con mayor frecuencia y que los cuerpos en un alto porcentaje han desaparecido totalmente a causa de su fragilidad, por ser huecos o quizá como consecuencia de un acto ritual.

Estas representaciones se han estudiado desde diversas perspectivas, los reportes más antiguos de figurillas sonrientes los encontramos hacia finales del Siglo XIX y principios del XX por Leopoldo Batres, Francisco del Paso y Troncoso y Hermann Strebel; por su parte, Franz Blom y Lafarge también hicieron referencia a estas piezas. Destaca Alfonso Medellín Zenil quien en la década de los 50´s realizó importantes trabajos y presentó tipologías que sirvieron como base para clasificaciones y cronologías utilizadas hasta nuestros días. Planchart en el 2000 estudió la risa en Mesoamerica desde una perspectiva simbólica, en el caso de las figurillas sonrientes las clasificó a partir del tocado, orejeras, collares y musicalidad. Para el 2008 Cherra Wyllie concluyó que las figurillas sonrientes de El Zapotal fueron dedicadas a la deidad de la muerte. Finalmente, Reyes Parroquín en 2011 realizó un catálogo de figurillas sonrientes procedentes del Museo de Antropología de Xalapa y en 2013 un estudio sobre los contextos arqueológicos en donde se han encontrado estas representaciones. Especial mención debe hacerse sobre el ensayo literario que Octavio Paz publicó en 1971 sobre las caritas sonrientes titulado Risa y Penitencia.

La muestra se divide en 5 módulos temáticos; Área geográfico-cultural. La costa del Golfo de México y antecedentes escultóricos; la risa reflejo de emociones; ofrendas, rituales y significados; caritas sonrientes: temática general y contextos arqueológicos.

En el primero de ellos se ubica al visitante en la costa del Golfo de México que de acuerdo con Christopher Pool es una gran área heterogénea tanto cultural como ambientalmente, se extiende de norte a sur a lo largo de 800 km, desde el sur de Tamaulipas hasta los pantanos del oeste en Tabasco en la frontera con las tierras bajas mayas del sur. Se introduce al tema a través de antecedentes escultóricos como de los grandes monolitos de talla desmesurada conocidas como “cabezas colosales”, en donde los rasgos risueños no son una constante, sino una excepción.

En la risa reflejo de emociones se retoma la clasificación de Paul Ekman y se reconoce que las expresiones faciales de las figurillas sonrientes en su mayoría muestran una sonrisa sincera y en ningún caso se ha identificado una triste.

Mientras que en ofrendas, rituales y sus significados se muestran los elementos iconográficos que caracterizan el periodo Clásico en la Costa del Golfo y que se encuentran representados en los tocados de las figurillas sonrientes, entre los que encontramos a Mictlantecuhtli, El señor de la muerte; Xicalcolihuqui, como el gesto simpático para atraer la lluvia; Macuilxóchitl, representación de un ritual de sacrificio; a Quetzalcóatl en su advocación a Ehécatl; Tlahuizcalpantecutli y su asociación con Venus.

Para finalmente resaltar los contextos en los que fueron encontradas, motivo por el cual Atoyaquillo, La Campana, Patarata, Remojadas, Sacrificios… palabras que con su sonoridad y contundencia hacen referencia a los sitios donde las figurillas sonrientes fueron halladas por las manos de acuciosos arqueólogos mexicanos a lo largo de muchas décadas.

Esta colección se presenta en Oaxaca después de haber sido exhibida por primera vez en Brasil, durante la realización de los Juegos Olímpicos de Río de Janeiro 2016. Se podrá visitar hasta el 24 de septiembre de 2017 en la sala

 

El dato

 

*Ambas exposiciones se inaugurarán en la sala De Profundis del Ex Convento de Santo Domingo de Guzmán mañana domingo 28 de mayo y podrán ser visitadas hasta el 24 de septiembre de 2017.

Mario Maplé muestra su acercamiento al dibujo en el IAGO

Un acercamiento al dibujo con distintos materiales como, el bolígrafo, tinta china, colores, marcatextos y plumones, es lo que presenta el artista Mario Maplé en, Intermitente, exposición que se abre hoy viernes 26 de mayo a las 19 horas en el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO), con sede en Avenida Juárez 203.

Originario de Guadalajara, el joven artista platicó que mostrará algunas obras en las que está trabajando actualmente, así como una serie de cuadernos y facsímiles que hicieron especialmente para esta exposición y que podrán ser intervenidos por los asistentes.

Sobre la técnica que trabaja, Mario Maplé dijo que el dibujo tiene un papel comunicativo y es la práctica artística más democrática, porque todos tenemos los medios para dibujar y buscamos cualquier espacio para hacerlo, “es la más inmediata de las artes”.

Además de la muestra el artista impartió esta semana un taller en el IAGO, este giró en torno al dibujo de sketch o de boceto, comentó que muchas veces el dibujo es demeritado, “de alguna manera es la exploración de un proceso, en mi caso, lo tomo como una práctica profesional muy seria, ese proceso es mucho más interesante que la obra que se finaliza”.

“Todos los trabajos que hago de sketchbook no llegan a ser una obra posterior, quedan como un libro de artista, las comparto en redes y demás, pero no las repito, valoro el trabajo de exploración íntima, se me hace muy valioso”.

Explicó que la exposición se llama, Intermitente, porque es la forma en que trabaja, “a veces estoy dibujando y de pronto llega el camión o me tengo que ir a otro lado, es un trabajo intermitente, es un proceso que se detiene sin que uno quiera y lo vuelvo a tomar después de días o meses, es enriquecedor a la hora de estar haciendo el trabajo dibujístico”.

“No es solo el boceto rápido, a veces una pieza me lleva días enteros, que me obsesiono por acabarlas, pensé que era una obsesión mía, pero hay mucha gente que comparte estos acercamientos”, expresó el artista tapatío.

En la exposición permite que la gente se acerque a los cuadernos, por ello hicieron unos facsímiles, uno es de puro registro, otros estarán para que los asistentes puedan intervenirlos.

Para Mario Maplé el IAGO es la más importante de las instituciones que abogan por el dibujo a nivel nacional, por ello es muy importante para el artista exponer en este espacio.

La inauguración de Intermitente será hoy viernes 26 de mayo a las 19 horas en Avenida Juárez 203, Centro Histórico de la ciudad de Oaxaca.

 

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Llega al CaSa la exposición Gráfica de la Colección Toledo/INBA

Jenny SÁNCHEZ

Será este domingo 28 de mayo en el Centro de las Artes de San Agustín (CaSa) que se inaugure la exposición Gráfica de la Colección Toledo/INBA que reúne alrededor de 200 obras de la gráfica mexicana y mundial y posteriormente se ofrecerá el concierto Mitote, del Taller de Orquesta Mexicana y como director invitado a José Luis Castillo.

Esta exposición coincide con los 45 años en que el maestro Francisco Toledo inicio una colección de las colecciones de arte más importante de México y única en su tipo entre los estados del país, la cual comprende 24 mil piezas, las cuales dono el pintor juchiteco al INBA en 2005.

El director del CaSa, Daniel Brena explicó en conferencia de prensa que se trata de la muestra más grande de este acervo porque reúnen obras desde el renacimiento con Alberto Durero hasta el arte contemporáneo de Gabriel Orozco; también se incluyen trabajos de la generación del muralismo, del Taller de Gráfica Popular o el Grupo Cobra.

Recordó que en el 2015, el maestro Francisco Toledo donó al Instituto Nacional  de Bellas Artes (INBA) y a diferencia de otras colecciones, está, recalcó, fue hecha para compartir.

Gerardo Martínez, curador y responsable de dicha colección, dijo que la muestra da la otra cara de Toledo como coleccionista, además de compartir su olfato para detectar talentos potenciales. Dijo también que la colección tiene una larga historia que inició en la Casa de la Cultura de Juchitán, que por condiciones ambientales debido moverse a un sótano en el Distrito Federal y luego en la Galería Quetzalli y finalmente en la casa del maestro Toledo sobre la calle de Murguía.

Esta colección que anteriormente se llamaba José F. Gómez –Revolucionario juchiteco-, ha crecido exponencialmente en los últimos años, apuntó Gerardo Martínez, especialmente con las donaciones de artistas como Vicente Rojo o Demián Flores, por lo cual esta amplia colección además de los circuitos que realiza, constantemente está siendo solicitada dentro y fuera del país.

La exposición estará por espacio de tres meses en el Centro de las Artes de San Agustín Etla (CaSa).

 

El concierto

 

Rubén Lenguas explicó que el concierto se llevará a cabo al término de la inauguración de la exposición y lo ofrecerá Pasatono Orquesta Mexicana (POM) por el cierre de la primera edición del Taller de Música mexicana, Rubén Luengas director de esa orquesta resaltó la participación de José Luis Castillo como director invitado.

Comentó que el objetivo de la orquesta es difundir la música mexicana por lo que en este concierto interpretarán obras de Daniel Ayala, uno de los integrantes del Grupo de los Cuatro, además del estreno de una suite indígena vinculada a la música de Juchitán.

El concierto se realizará a las 13:30 horas en el CaSa.

 

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Interviene el caricaturista Rocha, patio C del MACO

Jenny SÁNCHEZ

EL caricaturista mexicano Gonzálo Rocha intervino hace unos días el Patio C del Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca (MACO) en el que muestra la evidencia de ciertas conexiones de consanguinidad entre dos expresiones plásticas que por su naturaleza formal no es frecuente verlas compartiendo plaza.

En la explicación de la intervención, Efraín Velasco dice que entre el muralismo y el cartón político, el punto de contacto más evidente podría ser el del ejercicio de puntería. La exposición de los temas que se ocuparon en el muralismo mexicano fueron afinando poco a poco sus modos en favor de la claridad del mensaje. La ocupación del espacio público para exponer la interpretación de una experiencia histórica dotaba a la imagen de un uso social. Y aunque se exploraron diversos registros en el mensaje, nunca se le soltó la rienda, en él se deberían de identificar, si no la identidad de los personajes, sí el motivo que los animaba. Bajo otra forma de expresión –y de recepción– de la imagen, en el cartón político se ocupa a la caricatura para dirigir puntualmente una crítica. Los rasgos exagerados permutan las cualidades físicas a valores humanos, y aunque se empujan los límites territoriales de la legibilidad, si no se puede ubicar al personaje que se expone, la caricatura política pierde su fuerza vital.

Se hizo la pregunta de qué sucede entonces cuando la focalización se disuelve y además se empalman características formales de ambas expresiones ¿estamos frente a un terreno baldío? No, estamos frente a un cruce de caminos. Y la tradición nos dicta que hay que tener mucho cuidado, porque es el sitio en el que se aparece el diablo y el diablo es por antonomasia polisemia.

Entonces no es gratuito que el tema central del tríptico que presenta Rocha sea la interpretación de una imagen fija de la película mexicana María Candelaria –estrenada en 1943 y protagonizada por Pedro Armendáriz y Dolores del Río–, y que la invocación a esta película, señera de la época de oro del cine mexicano, se encuadre entre los laureles [de la India] que están plantados en el patio del Museo. Primer sesgo, primera encrucijada. En la imagen original, Lorenzo Rafael, asoma la cabeza entre barrotes, ha caído en la cárcel por robar una botella de quinina para adormecer los padecimientos de la enfermedad que contrajo María Candelaria. En la interpretación de Rocha, esta imagen abreva de diversas iconografías. Dolores del Río ya no se recarga sobre la puerta de la celda y Armendáriz no mira en lontananza aceptando la fatalidad; en cambio, se figura un paramento casi ciego, con un hueco que puede ser un nicho y en él aparece dispuesta la cabeza del protagonista, hinchado, deformado, gris. María otea con los ojos cerrados la cabeza de su amante, lo respira, como si con este gesto reconociera e identificara los despojos que le presentan. Descifrar en el laberinto de los olores el humor de alguien que nos pertenece. Ahora parece más una imagen arcaica en un ejercicio del México contemporáneo, Antígona buscando el cuerpo desaparecido de su hermano muerto.

Esta escena fija es mutable. También, por los pocos elementos que presenta y la fuerza formal con los que se ejecutan, nos recuerda el pasaje de un mito fundacional de la ciudad de Oaxaca, aunque invertido en género. La leyenda de Donají, princesa zapoteca enamorada de Nuncano, también de estirpe noble pero del señorío rival, el mixteco. El final de la leyenda nos presenta la cabeza incorrupta de una aristócrata; la anécdota, en cambio, nos presenta el holocausto de una transgresora. Poco antes de ser secuestrada, Donají había sido bautizada por la religión cristiana con el nombre de Juana, probablemente como parte del pacto entre españoles y zapotecos para disminuir las pérdidas en la guerra de colonización. La captura y decapitación de la cacica doña Juana, era la respuesta del consejo del señorío mixteca ante la alianza de sus enemigos. El diablo anda suelto en las encrucijadas.

¿Está Rocha estableciendo explícitamente alguna de estas dos posibilidades de sentido con la imagen que presenta? No, pero al no permitirnos ver hacia dónde dirige la mira de su arma, nos pone en un estado de especulación. Polisemia: especulación, espejo. Qué mensaje definido de crítica nos muestra Rocha con la imagen de un Tizoc tatuado y tratado formalmente como un Cristo. No lo sabemos. En la iconografía del Ecce Homo ––¡He aquí el hombre! en la traducción que en la Vulgata latina se hizo de este pasaje bíblico– se representa a Jesús recibiendo el dictamen de un castigo consensuado por una muchedumbre hostil. Tizoc es descendiente de la iconografía de Juan Diego Cuauhtlatoatzin y la imagen de la virgen de Guadalupe –ver el tatuaje que ostenta nuestro querido Infante en el brazo izquierdo– es la propuesta mercadológica de la expansión territorial de las órdenes clericales con imágenes creadas ex nihilo y adjudicadas a la divinidad, como lo fueron el manto de Turín y el retrato de Santo Domingo. Además de que la vocación de Guadalupe es el de la de la virgen que se le reveló a Juan –“revestida de sol” y con “la luna bajo sus pies”–, en el apocalipsis. El Cristo en el patíbulo asume su fatalidad, el Tizoc de Rocha reclama con el puño derecho cerrado ¿Qué reclama? ¿La reivindicación de su raza? ¿Los efectos del maquillaje? ¿Una estatuilla? Encrucijadas y caminos ¿Otro más? Tízoc –el tlatoani azteca al que se pidió prestado el nombre para el protagonista de la película del Indio Fernández–, es parte del linaje noble del que desciende Donají.

El tríptico de Rocha tiene un elemento más, una nube de motivos pictóricos que están a caballo entre la pinta callejera y el tatuaje. Ambas expresiones de resistencia o de decoración, según la historicidad con la que se acuda a ellas ¿A qué nos recuerda esta imagen? ¿A una nube de temas como la que se nos presente en las páginas del internet? ¿A las calles de la ciudad de Oaxaca en 2006? ¿A la violencia desatada en este país? ¿A la estética contemporánea validada por un museo? No lo sabemos. Lo que parece fijado a fuerza de brochazos es apenas la evidencia de la mutabilidad.

Enmarcados entre laureles, Gonzalo Rocha nos pinta tres cruces de camino hacia nuestros paisajes interiores. Pero ¿Tú cuál escoges? Dice murmurando una voz familiar al oído del espectador.

El Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca (MACO) abre sus puertas al público en general para que pasen a admirar la intervención de Rocha en el patio C de este lugar.

 

Conferencia del Dr. José Sarukhán Kérmez sobre el medio ambiente

*Sarukhán Kérmez ha sido galardonado con el Premio Tyler por el Logro Ambiental 2017 por sus contribuciones científicas al campo de la diversidad biológica y la construcción de instituciones

La Fundación Alfredo Harp Helú Oaxaca, a través de la Coordinación de Medio Ambiente, invita a la conferencia sobre medio ambiente que impartirá el Dr. José Sarukhán, ex rector de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y uno de los ecólogos latinoamericanos con mayor reconocimiento académico, mañana miércoles 24 de mayo en el Claustro del Centro Cultural San Pablo, en punto de las 18 horas.

José Sarukhán Kérmez (Ciudad de México, 1940) es biólogo por la Universidad Nacional Autónoma de México (1964), maestro en ciencias agrícolas por el Colegio de Postgraduados (1968) y doctor en ecología por la Universidad de Gales (1972).

Sus principales áreas de interés académico han sido: ecología de poblaciones y sistemas, ecología global, biodiversidad y darwinismo, así como aspectos de educación superior, ciencia y tecnología ligadas al desarrollo.

En la UNAM ha sido profesor de la Facultad de Ciencias desde 1973; investigador y luego director del Instituto de Biología por dos periodos consecutivos (1979 a 1987); Coordinador de la Investigación Científica (1987-1988); y Rector por dos períodos (1989-1997). Desde 1988, es investigador de tiempo completo en el Instituto de Ecología e Investigador Emérito desde 2006.

En 1991, el Dr. José Sarukhán propuso al Gobierno Federal la creación de la Comisión Nacional para el Conocimiento y Uso de la Biodiversidad (CONABIO). En ese entonces, el presidente de México, lo designó honorariamente Coordinador Nacional.  Desde 2010 dirige a la CONABIO en sus labores diarias.

Ha publicado más de 190 trabajos científicos y varios libros, entre ellos: primera, segunda y tercera edición de Árboles Tropicales de México, ocho ediciones de Las Musas de Darwin y Manual de Malezas del Valle de México y coordinó Capital Natural de México con 50 autores y revisores. Recientemente publicó: Patrimonio Natural de México: 100 casos de éxito (con J. Carabias y otros, 2010) y El Cambio Climático: causas, efectos y soluciones (con J. Carabias y M. Molina, 2010) y coordinó junto con J. R. Cossío, J. Carabias y A. Bolivar la publicación Defensa legal contra delitos ambientales.

Ha recibido doctorados honoris causa de 10 Universidades nacionales y extranjeras. En Octubre de 2011, recibió de la Medalla de oro al Mérito Cívico “Eduardo Neri” Cámara de Diputados En ese año, la Reina Beatriz de los Países Bajos le entregó la Condecoración de la Orden de Orange Nassau. En mayo de 2014 fue nombrado Académico Honorario por la Academia Mexicana de la Lengua y ese año recibió la Medalla al Mérito de la Fundación UNAM. En abril de 2016 recibió el premio NatureServe a la Conservación. El 4 de mayo recibió el premio Tyler para Logro Ambiental, máximo galardón que se entrega en materia ambiental.

Es o ha sido miembro de varias organizaciones académicas: El Colegio Nacional desde 1987; la Junta de Directores del World Resources Institute, Washington, D.C. (2000-2009); de las Juntas de Gobierno del El Colegio de México (2000-2005); y de la Universidad Veracruzana (2009-2014). Asimismo, es miembro de la Third World Academy of Sciences, de la Academia de Ciencias de California, de la Academia Europea de Ciencias, de la National Academy of Sciences (USA), de la Royal Society de Londres (2003) y de la American Academy of Arts and Sciences (2008).

La conferencia del Dr. José Sarukhán será mañana miércoles 24 de mayo en el Claustro del Centro Cultural San Pablo, en punto de las 18 horas. La entrada es libre.

 

Valencia recibe exposición del pintor juchiteco Demián Flores

Ciudad de México.- La Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia, España, inaugurará hoy lunes 22 de mayo la exposición  “Machete, visiones nuevas del viejo mundo”  del pintor oaxaqueño Demián Flores.

En su texto de sala  de Juan Bautista Peiró, comisario de esta muestra se señala que el proyecto expositivo ofrece algunas de las claves fundamentales de la poética de Demián Flores (Juchitán de Zaragoza, Oaxaca. 1971): su dominio del grabado y del dibujo, el interés por la historia del arte y de su país, su sensibilidad para actualizar el pasado, el compromiso ético y político, su pasión por la docencia y el trabajo colaborativo.

Machete. Nuevas imágenes del viejo mundo, se articula en torno a dos partes fundamentales. Por un lado, una muestra personal realizada a partir de tres series de grabados del artista holandés Theodor de Bry (ca. 1528-1598) que hizo sin haber pisado nunca el nuevo continente, a partir de imágenes y relatos de viajeros. Antropofagia,  El buen salvaje y La destrucción de la Indias. Un total de 40 piezas, aguafuertes y litografías que han sido intervenidas, incluso coloreadas y redibujadas, mediante un atinado juego relacional cargado de ironía, sentido crítico y ambivalencias alrededor de conceptos tales como la identidad, la memoria y el territorio.

Por otro lado, se exhiben los resultados logrados en el taller impartido por el propio Demián: Actualidad del pasado, la xilografía como práctica artística. Partiendo de un mismo objeto como placa base de trabajo, la hoja de un machete de campesino (símbolo dual de esclavitud y de revolución) los participantes han tenido total libertad para aportar sus puntos de vista y sus propuestas gráficas.

Finalmente, la exposición se cierra con una instalación audiovisual colaborativa realizada por miembros del Grupo de investigación Animación, Arte e industria, a partir esta vez de las aportaciones figurativas de Demián Flores. Se cierra así un círculo de referencias que abundan en la necesidad del diálogo para aproximarnos a una realidad compleja que ha cambiado vertiginosamente, pero que mantiene constante una serie de hechos que deben inducirnos a la reflexión y a la toma de conciencia.

Invita Oaxaca FilmFest a participar en su convocatoria 2017 de películas y guiones

*Oaxaca FilmFest, el Festival Internacional de Cine de Oaxaca, prepara su Octava edición, y una vez más invita a toda la comunidad a participar en su convocatoria, abierta hasta el 31 de Julio

Oaxaca FilmFest, prepara su Edición 2017 e invita a la comunidad a participar en su convocatoria para películas y guiones. Estará abierta hasta el 31 de Julio de 2017 y abarca largometraje, cortometraje y guion, de ficción, documental, experimental o animación.

Nacido en 2010 y con ocho años de trabajo ininterrumpido, Oaxaca FilmFest se ha posicionado como uno de los Festivales más importantes del circuito. Si bien cuenta con una importante convocatoria internacional, las Secciones de Hecho en México y Escrito en México son especialmente dedicadas al talento local y nacional.

Cada año estas secciones permiten disfrutar de lo más nuevo del cine mexicano y también descubrir lo qué se está haciendo en Oaxaca; en la última edición compitieron obras como Aire Quemado (Yamil Quintana), Gente de Tierra y Nubes (Matteo Robert Morales y Louise Hantson), Una esquina del mundo (Mariano Rentería Garnica) , el Guión doblemente ganador Muere el Sol en los montes (Amérika Moreschi) y el cortometraje ganador Cuerdas en la Vida, de Gerardo González.

Es importante destacar que las inscripciones de obras en estas secciones son totalmente gratuitas.

El Festival tiene la convocatoria más numerosa del país, recibiendo anualmente más de 6,000 obras. Por ese motivo se sugiere realizar las inscripciones con el mayor tiempo posible. Cada año, los resultados de la selección son anunciados el día 6 de Septiembre en rueda de prensa.

La 8va Edición se llevará a cabo del 6 al 13 de Octubre, y como siempre durante ocho días llenará las calles de la ciudad de Cine y actividades para todos los gustos y edades. Noches de Fundación, apoyando la labor de diferentes Fundaciones Oaxaqueñas, los programas de formación profesional Nueva Industria y Young Industry, los especiales de Cine Accesible, para que no videntes y personas con discapacidad auditiva puedan disfrutar del cine, Intercambio Academia, de talleres en preparatorias y universidades de Oaxaca, así como el Programa Infantil, que este año será itinerante por las escuelas primarias de la ciudad.

Estrenos de productores o directores de la talla de Guillermo Del Toro, Jorge Pérez Solano, Martin Scorsese, Celso García, Daniel Calpasoro o Takashi Miike y un programa académico de nivel internacional ponen a Oaxaca en el foco de la prensa e Industria Cinematográfica cada Octubre.

Diferentes sedes conformarán la 8va Edición: Teatro Juárez, Museo Rufino Tamayo, Teatro Macedonio Alcalá, Cinepolis y el Museo de Los Pintores de Oaxaca, entre otras, siendo como cada año, la mayor parte de las sedes del Festival gratuitas y abiertas al público.

Para inscribir trabajos enviar visitar www.oaxacafilmfest.com o escribir a submissions@oaxacafilmfest.com Para mayores informes sobre el Festival o participar, escribir a contact@oaxacafilmfest.com.

Obra de Alberto Aragón “El Pescador” se va del MACO

La obra de Alberto Aragón “El Pescador” se podrá admirar por últimos días en el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca (MACO) hasta el próximo 22 de mayo y se encuentra en el Cubo Abierto de este recinto.

En sus obras, el artista oaxaqueño Alberto Aragón Reyes reivindica el esfuerzo creativo y humano que transforma materiales, emociones y sedimentos. El oficio escultórico forma parte de sus proyectos monumentales y de una amplia propuesta estética —en la plástica, gráfica e instalación— que se rebela a la inercia de lo local, situando al centro de su creación la osadía y el atrevimiento. Su libro ABISAL, que coordiné y que trabajamos de manera colectiva, reúne sus últimos 15 años de trabajo artístico.

En esta exposición en el MACO, la profundidad espacial abre un horizonte temporal que puede remitirnos a un imaginario origen. A un pasado mítico integrado desde la narrativa oral a una Historia de Oaxaca, escrita en 1881 por José Antonio Gay, en donde se cuenta que algunos de sus pueblos estuvieron habitados por gigantes. Quienes, por su “incontinencia y pecados contra naturaleza les atrajo aquel fulminante castigo del cielo” que finalmente los destruyó entre terremotos y hambrunas.

Estos “gigantes o seres fabulosos”, que se asoman brevemente en el umbral de la Historia de Oaxaca, de manera subterránea transitan de la oralidad a un arte que celebra la fecunda imaginación que nos precede y habita. Así el artista, conecta en una obra espacialidades y temporalidades, al apropiarse y erigir con otros maestros del oficio, una versión de esos mitos o símbolos que emergen desde las profundidades del imaginario colectivo.

Imaginar el asombro de los pobladores frente al hallazgo de enormes huesos en la entidad, nos vincula también con la elemental pregunta surgida de manera inmediata al ingresar a la “cavidad” de este recinto: ¿Cómo llegó aquí esta colosal escultura? Nos pueden estremecer las posibles respuestas prácticas, anecdóticas o estéticas que ya forman parte de su desmesura. De una pieza de más de cinco metros de altura —con aproximadamente tres toneladas de peso, construida de metal y resina— que en su desplazamiento de la población de Ánimas Trujano al centro histórico de la ciudad de Oaxaca, ha provocado extrañeza, curiosidad o admiración entre los fortuitos espectadores. Evidenciando que este gigante, aparentemente detenido en la certera alegoría de El Pescador, atraviesa algunos siglos para seguir en movimiento entre nosotros.

Su diálogo con los espectadores, con los mitos originarios y con la serie pictórica que Alberto Aragón ha denominado como “El sueño de la abundancia”, nos ofrece también la posibilidad de experimentar esa tensión que surge entre lo monumental y pródigo frente a la escasez (de espacio) y las carencias de nuestro medio.

Encarnando El Pescador ese sueño de la abundancia que evoca el trabajo colectivo, la resignificación de los sentidos de la historia o la fuerza reveladora del pez que emerge desde lo abisal del subconsciente. Pero sobre todo, es el deseo —del sueño de la abundancia— lo que le otorga a la obra escultórica desde el imaginario, el mito o la reinvención creativa, su permanente movimiento. Y es la potencia de ese deseo no detenido sino “suspendido”, el que la pieza nos ofrece para completar.

 

El dato

 

*El acceso para visitar esta obra es completamente libre.

 

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Exhibirá el Centro Cultural San Pablo L’artesanía de vivir by Roche Bobois

*Muestra de cuatro diferentes modelos de silla de la emblemática firma que fueron intervenidas por maestros del arte popular mexicano de Jalisco, Hidalgo, Puebla, Estado de México, Chiapas y Oaxaca

La salas capitulares del Centro Cultural San Pablo abren sus puertas mañana viernes 19 de mayo, a las 19 horas, para exhibir L’artesanía de vivir by Roche Bobois, muestra de cuatro diferentes modelos de silla de la emblemática firma que fueron intervenidas por maestros del arte popular mexicano de Jalisco, Hidalgo, Puebla, Estado de México, Chiapas y Oaxaca.

El proyecto es la suma de personas talentosas que se apasionaron con la idea de promover el arte popular mexicano a nivel internacional y darle valor en México. La firma de diseño Roche Bobois sirve como un aparador para exponer un sincretismo cultural al lograr piezas únicas e irrepetibles.

En 2015 Roche Bobois hizo el ejercicio de intervenir el sillón Mah Jong, del diseñador Hans Hopfer, con el trabajo de artistas contemporáneos de primer nivel. Ahora, para este proyecto, buscó a los héroes anónimos del arte mexicano, quienes han logrado proyectar su experiencia, tradición e invaluable manejo de algunas de las técnicas ancestrales del arte popular en el país.

La exposición reúne 32 piezas realizadas a partir de cuatro modelos icónicos que ilustran el french art de vivre: las clásicas Florian y Lully, hechas en madera al estilo ebanista, talladas y ensambladas a mano, y las contemporáneas Ava y Loop, en inyección de policarbonato, un homenaje a la modernidad y a los procesos productivos, todas ellas intervenidas con el extraordinario talento de artesanos mexicanos, otorgándoles un valor agregado al ADN de las mismas.

L´artesanía de vivir nos muestra algunas de las técnicas de bordado y huichol más representativas de nuestro país. En la exposición se puede apreciar el trabajo de los siguientes artesanos: Pedro Martín Pizarro López, de Cuetzalan, Puebla; María García Osorio e Isabel Hernández Osorio, de San Vicente Coatlán, Oaxaca; Lucas Castro Jiménez, de Zapopan, Jalisco; María del Carmen Cruz y Rufina José Patricio, de San Nicolás en Tenango de Doria, Hidalgo; Reyna y Francisca López, de Teotitlán del Valle, Oaxaca; Sofía Ferrer González, de Villa de Allende, Estado de México; Gregorio Barrio Montoya, de Zapopan, Jalisco; Milagros Soledad Jiménez Ortega, de San Lucas Ojitlán, Oaxaca; Teresa y Guadalupe Matías Pedro, de San Juan Guichicovi, Oaxaca, entre otros.

L’artesanía de vivir by Roche Bobois ha sido exhibida en la Ciudad de México, Chiapas y Zacatecas, y a partir de este viernes 19 de mayo se podrá apreciar en el Centro Cultural San Pablo. El acto inaugural será en punto de las 19 horas, el acceso es libre.

 

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La artesanía oaxaqueña ilumina Monte Albán

La maestría con la que los artesanos oaxaqueños trabajan diversos materiales para darles vida y recrear los mundos infinitos que conforman ese estado multiétnico, es apreciada en las exposiciones Tallador de sueños. Manuel Jiménez. San Antonio Arrazola y Filigrana en barro. Familia Velasco de Santa María Atzompa.

Expuestas en el Museo de Sitio de la Zona Arqueológica de Monte Albán, donde estarán hasta el 8 de julio, ambas exhibiciones organizadas por el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), a través de su sede estatal, son una demostración del oficio que caracteriza a los artistas cuyas manos han moldeado, tallado, tejido, pintado o bordado los caminos que descubren a Oaxaca.

La muestra Tallador de sueños. Manuel Jiménez. San Antonio Arrazola está integrada por una veintena de figuras talladas en madera: mamíferos, aves o reptiles, criaturas imaginarias y reales que denotan la esencia de una arraigada tradición que le da identidad a dicho poblado, incluido en el polígono de protección del sitio arqueológico que la acoge.

Isaías Jiménez, hijo de don Manuel Jiménez (1919-2005), relató que las obras de su padre, conocidas como alebrijes, tienen su antecedente en las tallas de madera de animales fantásticos que su progenitor elaboraba hacia 1927, aunque el término “alebrije” era concedido a las figuras de cartón y papel maché que Pedro Linares López hacía en la Ciudad de México.

“Por el colorido y lo imaginario de las obras que mi padre hacía, pronto se les comenzó a llamar alebrijes; empezó de niño, a los ocho años, ya que sus papás no tenían recursos para comprarle juguetes y él los hacía, inspirado en sueños, ilusiones y en la esperanza de salir adelante”.

El artesano, segunda generación de la familia reconocida no sólo en Oaxaca y en el país sino también en el mundo, gracias a las mágicas criaturas elaboradas en madera, rememoró que don Manuel siempre tenía una actitud positiva ante la vida, pese a que sus inicios fueron muy difíciles, debido a que en esa época (primer cuarto del siglo XX) no había un mercado de artesanías como tal, aunque “cuando hacía una figura, se sonreía al estarla haciendo”.

De esta forma, la exposición, de acuerdo con Isaías Jiménez, es un homenaje a su progenitor y está conformada por piezas elaboradas por tres generaciones de artesanos: su padre, él, y sus sobrinos; algunas tallas son históricas y datan de 1965, cuando don Manuel empezó a pintar con pintura de anilina en polvo.

“Muchas tallas provienen de Estados Unidos (donde está la mayor parte del acervo de Manuel Jiménez), de gente que visitó Oaxaca y le compró piezas a mi padre”.

Sobresalen las representaciones de un par de ancianos, que llegó como donación desde Santa Fe, Nuevo México, y un león, elaborado en 1965, que le cedió su madrina, cuyo esposo, el estadounidense Arturo Tray, fue el primer cliente de su padre.

Por su parte, la muestra Filigrana en barro. Familia Velasco de Santa María Atzompa es un testimonio de la plasticidad que tiene este material y de las diversas posibilidades que ofrece al artesano.

Está integrada por 12 piezas moldeadas en filigrana de barro, entre las que destaca una inspirada en el sitio arqueológico de Monte Albán y sus asentamientos, y otra que alude a la cultura zapoteca.

La familia Velasco Villanueva, a través de la experimentación, ha desarrollado desde hace más de tres décadas una particular manera de fabricar la cerámica, donde los colores, acabados y decoraciones son el principal atractivo.

La filigrana en barro se trabaja con finos hilos y pequeñas porciones de este material, con los que se hace un bordado. Con el barro rojo se forman delicadas hebras y el de color natural se ocupa como base, ambos se trabajan encima de la cerámica para que parezca encaje.

Está técnica tiene como principal exponente a doña Manuela Villanueva Vásquez quien, junto con su familia, crea piezas únicas hechas a mano, cuya maestría y calidad les han valido el reconocimiento local, nacional e internacional.

Ambas exposiciones permanecerán hasta el 8 de julio, en el Museo de Sitio de la Zona Arqueológica de Monte Albán, ubicada en Carretera Doctor Ignacio Bernal s/n, San Pedro Ixtlahuaca, Oaxaca.

 

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